ARTIXX – arte entre pessoas

ARTIXX E O SALA

2011-12-15T17:54:00.012-02:00

O ARTIXX e o Grupo SALA no Solar do Barão

Um encontro, realizado em dezembro de 2011, no ateliê de xilo, do Solar do Barão, propiciado pelos espelhos-temas dos trabalhos do Grupo Sala e Coletivo ARTIXX que aproximou os dois grupos que convergiram pela reflexão do mesmo tema e que tiveram, no tempo, passagens importantes pelo Museu da Gravura. Foi uma conversa que abriu tantas outras possibilidades, com Izabella Zanchi, Carla Assis, Maria Lucia de Julio, Sergio Moura, Lahir Ramos, Rogério Guiraud e José Roberto da Silva que realizaram a experiência do outro na ação artística do encontro de arte entre pessoas!

O ARTIXX E O ESPELHO

2011-11-17T16:17:00.028-02:00

"Ao separar o nome do coletivo (ART IXX), deixando o centro livre, vazio, espera-se que o indivíduo perceba a si mesmo. Ao ver sua imagem distorcida, o observador atento perde sua identidade sendo levado a uma nova percepção de mundo e do seu entorno. Neste instante, o olhar promove a inversão de sua imagem, como o IXX que é o espelhamento de século vinte e um. Ao misturar as imagens, o ARTIXX potencializa sua ideia essencial de fazer arte entre pessoas".

O ARTIXX NA ESCOLA DE MÚSICA E BELAS ARTES DO PARANÁ - 2011

2011-09-29T11:38:00.020-03:00

Dia 16 de setembro de 2011, o ARTIXX reuniu artistas paranaenses, professores e convidados em torno da Professora Adalice Araújo. Na oportunidade, o coletivo exibiu o vídeo ADALICE ARAÚJO NA LENTE DO ARTIXX, no auditório da Escola de Música e Belas Artes do Paraná, anfitriã parceira na promoção. Entre outros objetivos, o ARTIXX é centrado na valorização da arte em suas infinitas possibilidades gerando desdobramentos culturais históricos, deslocando conceitos, promovendo valores.

"Por sua abnegada generosidade e contribuição em favor da Arte, à extraordinária dedicação em quatro décadas de trabalho, coletando, mapeando e organizando a história da arte paranaense, o coletivo ARTIXX propõe aos que produzem cultura que daqui por diante a Professora Adalice Araújo passe a ser considerada como Pioneira da Historiografia e da Crítica de Arte Moderna e Contemporânea no Paraná."

Artistas paranaenses, professores e convidados,
reunidos no auditório da Embap, após a exibição do vídeo
ADALICE ARAÚJO NA LENTE DO ARTIXX produzido pelo Coletivo ARTIXX.

Artistas paranaenses e professores acorreram ao chamado
do ARTIXX para reverenciar a Professora Adalice Araújo.

Adriana Tabalipa, Geraldo Leão, Rute Benatto e o

Coletivo ARTIXX em torno da Professora Adalice Araújo.

Video ADALICE ARAÚJO NA LENTE DO ARTIXX

2011-09-05T19:21:00.000-03:00

ADALICE ARAÚJO NA LENTE DO ARTIXX - PARTE 2

2011-07-14T20:47:00.006-03:00

ADALICE ARAÚJO NA LENTE DO ARTIXX - PARTE 1

2011-06-29T21:02:00.008-03:00

A COZINHA DO ARTIXX

2011-06-08T17:46:00.011-03:00

O Processo:

Foi a partir da proposta “O BOLO”, já postada no blog ARTIXX, que começamos a pensar no convite do Professor de Artes, Francisco Soares Neto, da UTFPR, para realizarmos uma ação artística com seus alunos, das turmas Técnico Integrado de Eletrônica, Mecânica, Segurança do Trabalho e Gestão de Empresas do 1º período do Ensino Médio. Ampliando a ideia de Giovana Casagrande, o Coletivo ARTIXX elaborou e executou “Conceito de Bolo” realizado na Sede Social da ASSUTEF–PR, anexo da Universidade, envolvendo aproximadamente 140 estudantes.

CONCEITO DE BOLO

Experimentações artísticas

Janela virtual entre espaço real e o espaço da casa

Momento lúdico – criação do bolo

Sensações inebriantes – sons e aromas

Provocar encontros criativos

Abraçar a vida por meio das relações humanas

Acessar A Cozinha do ARTIXX e visualizar novos espaços abertos por meio da relação com o outro. Espreitar e participar intensamente do momento criativo, libertando a imaginação do virtual para o real, como se existisse uma janela aberta no tempo.

Experimentar o efêmero, a intimidade que envolve o doméstico,

a banalidade de pequenas ações do cotidiano de modo

virtual e de maneira lúdica no real.

Presenciar e observar os ruídos dos passos, dos gestos

ao movimentar pratos e talheres, escutando

o som do liquidificador ao fazer o bolo que prende

a atenção para o desconfortável e o desconcertante.

Sentir o aroma que exala, envolve e remete a lembranças do

passado ou mesmo a lugares prazerosos guardados na intimidade.

Viver o individual e se conectar no coletivo.

Fazer amizades, explorar e dar oportunidade ao desconhecido,

experimentar coisas pela diversão são momentos

fugazes de felicidade e bem estar.

Oferecer o Bolo promovendo encontros entre pessoas,

compartilhando momentos prazerosos com amigos

e familiares em proporções amplas de generosidade.

COLETIVO ARTIXX

2011

Carla Assis

Giovana Casagrande

Regiane Bressan

Rogério Guiraud

Sergio Moura

O BOLO

2011-06-01T14:57:00.036-03:00

Ingredientes:

· Experimentações artísticas em vídeo arte.
· Rompimento de tempo e lugar entre o observador e a cozinha da casa.
· Conexão virtual no limite entre o espaço do espectador e o espaço de casa.
· O barulho incessante ao som do ritmo da cidade.
· Romper com os limites estabelecidos.
· Construir uma nova linguagem nas questões das relações humanas.

Modo de fazer:

Acesse o vídeo e visualize novos espaços abertos por meio da relação com o outro, espreitar e entrar na intimidade como se existisse uma janela aberta no tempo.
Entrar na cozinha e presenciar a intimidade que envolve o doméstico, a banalidade de pequenas ações do cotidiano de uma forma virtual, coloca o observador para dentro da intimidade da casa, do ambiente que não está acostumado a ver.
O barulho dos gestos e do liquidificador ao fazer o bolo prende a atenção para o desconfortável e o desconcertante.
Viver o individual e se conectar no coletivo, através de redes virtuais ou amizades fora de suas casas protegendo sua intimidade, distanciam as pessoas e as tornam cada vez mais solitárias.
Oferecer o Bolo e promover encontros entre pessoas, compartilhar momentos prazerosos com amigos e familiares.

Giovana Casagrande e Regiane Bressan

Processo Criativo - Giovana Casagrande / Edição - Regiane Bressan

ADALICE MARIA DE ARAÚJO

2011-04-04T14:13:00.017-03:00

ADALICE ARAÚJO

A principal intenção deste trabalho realizado coletivamente é propor a tarefa de registrar para a História a vida e obra de Adalice Araújo, posta aqui como desafio aos artistas, críticos de arte, historiadores, jornalistas, instituições e a todos aqueles que desejem emprestar seus talentos para uma retribuição de merecida justiça.

Professora, historiadora e crítica de arte, a também pesquisadora Adalice Araújo tem passagem extensa, brilhante e digna de reconhecimento por todos os paranaenses que promovem arte e cultura. Visionária,
é autora do projeto de implantação dos cursos de Arte e Design da UFPR. Foi disseminadora das artes nas páginas do jornal Diário do Paraná e depois na Gazeta do Povo, com a página de Artes Visuais. Fernando Bini – professor e crítico de arte –, em seu depoimento para o Dicionário de Artes Plásticas do Paraná, comenta o grande trabalho com o qual Adalice se dispôs a atuar em prol da divulgação da arte paranaense:

Assisti Adalice começar seu titânico trabalho de escrever semanalmente uma coluna (de uma página) em jornal curitibano, tornando acessível ao grande público as exposições e as obras de um número enorme de artistas, tanto nacionais como internacionais, dando sempre ênfase aos movimentos artísticos e aos artistas paranaenses.

Museóloga por inata vocação, esteve também à frente do Museu de Arte Contemporânea do Paraná. Entre tantas outras iniciativas relevantes, projetos e propostas, criou e organizou os Encontros de Arte Moderna na Escola de Música e Belas Artes do Paraná, ampliando os horizontes da arte paranaense para aproximá-la do contexto da modernidade. Durante o longo período em que se dedicou aos jornais, conheceu os muitos caminhos que a arte paranaense percorreu, e nas tantas páginas escritas lançou novos artistas, hoje nomes conhecidos no circuito paranaense das artes.

Esta bela mulher, entusiasta pela arte, sensível, inteligente, generosa, corajosa e cheia de energia, esteve sempre à frente de seu tempo. Capaz de transpor limites, fazendo seu próprio caminho de militância em favor da arte e da liberdade, é um exemplo a ser seguido. Ainda na juventude, atravessou o oceano e aportou na Itália, lá se dedicando à arte, sua grande paixão. Quando regressou, revitalizou o meio artístico paranaense, colocando em prática junto aos alunos suas idéias inovadoras.

A expressão própria de Adalice, dada a tudo aquilo a que se dedica, transborda o imanente dos seus trabalhos em livros, jornais e mídias eletrônicas, até atingir a dimensão transcendente contida na vida das pessoas que amam incondicionalmente seu trabalho.

Carinhosamente tratada pelos artistas da década de 1980, como “Tia Dadá” (alusão ao revolucionário movimento Dadaísta). Ela tem orgulho de ser discípula direta de Guido Viaro, unanimemente considerado o “Pai” do Modernismo na Arte Paranaense e que, ao lado de Mariano de Lima e Alfredo Andersen, ostentam inegável responsabilidade criativa por toda a base formadora da Arte do Paraná.

Em entrevista concedida ao coletivo ARTIXX, Adalice se emocionou ao falar sobre o mestre: “Viaro realmente viveu a cidadania, ele deixou a consciência social nos alunos”. Ao exaltar os ensinamentos do artista, professor e mentor no engajamento pela arte e pela educação, e, sobretudo, sua sensibilidade em descobrir novos talentos e acreditar no potencial humano, ela se reafirma como sua herdeira legítima.

É autora do Dicionário de Artes Plásticas do Paraná, consistente publicação que engloba quatro significativos volumes e reúne considerável parte da produção artística local, com vasto retrospecto de nomes, verbetes e informações objetivas, tornando-se fonte de conhecimento indispensável a quem almeja conhecer a arte do Paraná e material obrigatório para se juntar às demais publicações da arte brasileira. Isso tudo a faz merecedora da tarefa que nos impusemos de registrar para a História a vida e obra dessa brasileira que temos o privilégio de ter como conterrânea, com a mesma atenção e carinho com que ela abraça todos os artistas paranaenses.

Trazer para a divulgação nos meios artísticos e históricos as personalidades que temos como credoras da construção do conhecimento é necessidade inquestionável. Principalmente quando elas podem dialogar conosco sobre todos os acontecimentos, pensamentos, sonhos e esperanças que formam os ensinamentos de pessoas especiais, para as atitudes concretas que nos levam a nos realizarmos como nação, por nos fazerem compreender as complexidades dos emaranhamentos das culturas, que expressam as possibilidades de humanização do mundo.

A Arte e a Vida nos importam como relações simbióticas aprendidas através daqueles que as misturam com coerência e que podem nos dar mostras do que é possível realizar. Diante dos dados biográficos de alguém como Adalice Araújo, temos consciência, tanto pela dimensão quanto pelo conteúdo dos seus trabalhos, de que estamos, neste pequeno texto a ela dedicado, apenas tangenciando sua obra e vida.

Como Adalice afirmou na entrevista, devemos tomar por método referenciar-se na arte paranaense, contextualizando-a no tempo dos acontecimentos em outros países, para compreendermo-nos a partir da nossa própria casa e entendermos, assim, o nosso papel no mundo. Ao agirmos dessa forma, conhecemos a nós próprios, invertendo uma lógica consagrada de referenciais externos, que pode até fazer sentido dentro do sistema de arte, ao dar conteúdo de mercadoria ao trabalho do artista, mas que não serve para dar sentido à expressão verdadeira do artista que deseja por essência realizar Arte.

Por sua abnegada generosidade e contribuição em favor da Arte, à extraordinária dedicação em quatro décadas de trabalho, coletando, mapeando e organizando a história da arte paranaense, o coletivo ARTIXX propõe aos que produzem cultura que daqui por diante a professora Adalice passe a ser considerada como Pioneira da Historiografia e da Crítica de Arte Moderna e Contemporânea no Paraná.

Le Corbusier escreveu que arte é aquilo que das atividades humanas não é o que serve, mas o que emociona.

Adalice emociona.

ARTIXX

http://artixxaoarlivre.blogspot.com

Curitiba, abril 2011.

QUEM É O (A) ARTISTA

2011-03-30T20:48:00.047-03:00

Como resultado de um processo de reflexão coletivo, que é base das ações do ARTIXX, decidimos ampliar nossos relacionamentos através de múltiplas trocas criativas com artistas, historiadores de arte, críticos de arte e coletivos de arte.

Como estratégia de ampliação e de encontros para o Coletivo, escolhemos realizar o registro dessas trocas, afim de compartilhar os conteúdos em nosso blog, criando o “Quem é o (a) artista”.

As nossas escolhas, para os encontros e postagens na Internet, visam desenvolver conhecimentos focados nos representantes do universo de artes visuais de Curitiba na busca dos quem vêem o mundo desde a nossa realidade local, na convergência de fazermos arte nesta mesma perspectiva: do local para o universal.

ADALICE MARIA DE ARAÚJO

Professora, Historiadora, Crítica de Arte,

autora do Dicionário de Artes Plásticas do Paraná. Na década de 1960,

organizou os Encontros de Arte Moderna na Escola de Música e Belas Artes do Paraná, que, além de revitalizar a atividade artística no meio acadêmico, pretendia introduzir a modernidade artística no Paraná.

ROBERTO PITELLA

Fotógrafo com experiência em cinema,

professor da Universidade Estadual do Paraná – EMBAP.

Observador da imagem. Desde criança, por influência familiar,

esteve muito ligado à fotografia.

Acredita que a Arte é uma grande contação de histórias.

CLEVERSON SALVARO

Artista curitibano, formado pela Faculdade de Artes do Paraná,

utiliza múltiplas linguagens em seu trabalho, principalmente
intervenções urbanas e instalações.

NEWTON GOTO

Multiartista com trabalhos desenvolvidos em circuitos,

intervenção urbana, ação coletiva, instalação,

fotografia, vídeo, escultura, gravura, desenho,

pesquisa, curadoria e produção.

GUITA SOIFER

Na Arte, é ao mesmo tempo libertária e aventureira.

Ao vermos continuamente debruçada sobre assuntos

da maior profundidade – a vida, a morte -

percebemos seu desprendimento e enorme coragem

em mostrar sua inquietação tentando decifrar

o grande mistério criador de Tudo!

SE TUDO É ARTE, COMO SEPARÁ-LA DA POLÍTICA?

2011-03-16T15:06:00.013-03:00

Bandeira branca, amor

Resumo Alvo de protestos de pichadores, jornalistas e militantes da causa animal, o trabalho "Bandeira Branca", de Nuno Ramos, foi desmontado na 29ª Bienal de São Paulo, por determinação do Ibama, que o havia autorizado. O artista faz uma defesa da legalidade da obra e reflete sobre consensos e rupturas inerentes à atividade artística.

PROCUREI INTENCIONALMENTE matar três urubus de fome e de sede no prédio da Bienal de São Paulo. Pus ali imensas latas cheias de tinta escura,

para que se afogassem, além de espelhos, para que batessem a cabeça durante o voo. Construí túneis de areia preta, para que entrassem sem conseguir sair, morrendo ali dentro. E, para forçá-los a voar, costumo lançar rojões em sua direção.
ACUSAÇÕES Como nos pesadelos ou nos linchamentos, não é possível responder a acusações desta ordem, que circularam pela internet e no boca a boca com força insaciável nas últimas três semanas, criando um caldo de cultura próximo à violência e à intimidação. Como resultado disso, em plena Bienal, entre faixas pedindo que eu fosse preso, meu trabalho foi atacado por um pichador, que driblou a segurança, rasgou a tela de proteção aos bichos e danificou uma das esculturas de areia. Fomos cercados, eu e minha mulher, por militantes ecologistas, que nos xingavam e gritavam do outro lado do vidro do carro, a boca em câmera lenta, "a-li-men-ta-e-les!" -o que, claro, já havia sido feito naquele mesmo dia. Barbara Gancia, colunista da Folha, chegou a pedir, utilizando um imaginário de repressão militar ou de milícia fascista, que eu fosse colocado de cuecas contra um muro e submetido a uma ducha com as mangueiras para incêndio do corpo de bombeiros.

Ingrid E. Newkirk, presidente da organização não governamental Peta [pessoas pelo tratamento ético de animais, na sigla em inglês], num artigo feroz, publicado na Folha em 8/10, encontra apenas o que pressupõe desde o início: que eu quero aparecer (ela, não? alguém duvida que um dos temas da polêmica é justamente a disputa pelo espaço na mídia?); que sou (os termos são dela) cruel, "bad boy", sem compaixão e produtor de arte de má qualidade. Como não há argumentos e o raciocínio é circular, tudo retorna à ilibada consciência da articulista. A notícia atravessou fronteiras raras para questões envolvendo arte (horários insuspeitos em todos os canais de TV, cadernos de jornal pouco afeitos à cultura e nas mais diversas regiões do país), passando a assunto de bar e padaria. Os urubus, definitivamente, haviam conseguido escapar e, para usar os versos de Augusto dos Anjos, pousaram na minha sorte.

TOM Frequento uma área da cultura afastada dessa luz radioativa, e não quero errar o tom. Começo este texto, portanto, fazendo a minha lição de casa: o que quer que tenha acontecido, aconteceu por meio das instituições. A licença do Ibama de Sergipe, que permitiu o transporte e a exposição dos animais, era legítima e dentro de parâmetros absolutamente legais, bem como sua cassação pelo Ibama de Brasília. Tentamos, eu e a Fundação Bienal, que me apoiou de todos os modos possíveis em defesa do meu trabalho, uma liminar na Justiça e perdemos. Acatamos e tiramos, no mesmo dia em que a decisão liminar saiu, as três aves. Sinto-me coibido, injustiçado e chocado com tudo isso, mas não posso dizer que fui censurado. E por entender que a forma que destruiu meu trabalho ao tirar as três aves é legítima, quero divergir completamente dela.

Como quase nenhuma informação sensata circulou, tenho primeiro que dizer o óbvio

1) As aves que utilizei em meu trabalho são aves nascidas em cativeiro, e não sequestradas ao habitat natural; é para este cativeiro que voltaram (e onde estão neste momento), quando foram "soltas" do meu trabalho;

2) Pertencem ao Parque dos Falcões (criadouro conservacionista que funciona com autorização do Ibama, realizando atividades educacionais e pedagógicas, pelo Brasil inteiro, com aves de rapina), que as mantêm em exposição para o público, como num zoológico;

3) Estas mesmas três aves participaram em 2008 de uma versão bastante similar deste trabalho, no Centro Cultural Banco do Brasil de Brasília, durante dois meses, adaptando-se perfeitamente ao espaço e sem nada sofrer, com plano de manejo aprovado pelo mesmo Ibama;

4) As aves foram adaptadas ao espaço da Bienal antes do início da mostra, com a presença do veterinário responsável por elas e de um tratador;

5) Esse tratador, o mesmo que cuida delas em Sergipe, ficou permanentemente com elas durante todo o tempo de exibição das aves ao público, literalmente abrindo e fechando a mostra:

6) Eram alimentadas por ele todas as manhãs, em quantidade e frequência estipuladas pelo plano de manejo;

7) O volume das caixas de som foi controlado, sendo mantido numa altura bastante inferior ao do murmúrio do público, para evitar estresse aos bichos;

8) O plano de manejo das aves, aceito pelo Ibama de Sergipe, foi revogado, já no meio da polêmica, pelo Ibama de São Paulo -mas sem recomendação de cassação. O que o laudo técnico, sério e sisudo do Ibama de São Paulo solicitava eram ajustes -basicamente, que desligássemos uma das caixas de som e que instituíssemos banhos de luz ultravioleta todas as manhãs, para suprir a falta de luz solar direta sobre os bichos (embora a luz do dia banhasse o espaço). Oferecia, ainda, uma licença de 15 dias, a ser prorrogada de acordo com a avaliação periódica sobre o bem-estar dos animais. O Ibama de Brasília, que, sob pressão política e midiática, determinou arbitrariamente a saída das aves, em desacordo com o laudo do Ibama de São Paulo, travou o que parecia ser um processo rico de colaboração entre técnicos sérios, com conhecimento sobre os animais, e um trabalho de arte;

9) Obtivemos laudo favorável do Departamento de Parques e Áreas Verdes da Prefeitura de São Paulo;

10) Técnicos do setor de aves do Zoológico de São Paulo, em vistoria ao trabalho, não manifestaram qualquer crítica específica ao manejo das aves -fiquei sabendo nesta visita, inclusive, que a jaula dos urubus era bem maior que qualquer jaula do zoológico, inclusive a do condor.

EXPIAÇÃO Por que, então, tanta confusão? Que é que está sendo expiado aqui?

Para começo de conversa, e como aproximação ao problema, quero lembrar que "Bandeira Branca" não é um trabalho de ecologia, nem eu sou especialista em aves de rapina, assim como "Guernica" de Picasso não é apenas um trabalho sobre a Guerra Civil Espanhola, nem Picasso um historiador. Por isso utilizei os serviços de uma entidade ecológica, o Parque dos Falcões, e obtive, tanto na montagem em Brasília, em 2008, quanto em São Paulo, autorização do órgão legal em meu país para esses assuntos. Ou a lei não vale para todos? Tratar meu trabalho como crime e a mim como criminoso é fazer o que fazia a direita franquista, ao chamar "Guernica" de quadro comunista, ou a aristocracia francesa da segunda metade do século 19, quando ameaçava retalhar a "Olympia", de Manet, em nome dos bons costumes. O que me foi negado com a criminalização do meu trabalho foi a possibilidade de um sentido -o sequestro, digamos, de qualquer sentido que ele pudesse propor. E é contra isso, mais do que contra a boataria e a calúnia, que escrevo hoje.

VALORES Arte não cabe nos bons nem nos maus valores, por mais confiança que se tenha neles. Dela emana um signo aberto, para isso foi inventada, para que fanatismos como os que ouvi nessas últimas semanas não circunscrevam completamente o possível da vida. Claro que ninguém está acima da lei, e, repito, cumprimos, artista e instituição, rigorosamente a legislação ambiental brasileira -mas é a possibilidade de pensar diferente que está sendo criminalizada aqui. Artistas extraordinários como Joseph Beuys (por sinal, fundador do Partido Verde na Alemanha), Jannis Kounellis, Hélio Oiticica, Nelson Felix, Tunga, Cildo Meireles, utilizaram animais em suas instalações. Provavelmente o trabalho de Beuys que inclui um coiote ("I Love America and America Loves Me") seja, sem nenhum favor, uma das mais importantes obras de arte do século 20.

"Tropicália", de Hélio Oiticica, que tem araras vivas em seu interior (curiosamente, exposta há poucos meses, com as aves, no prédio do Itaú Cultural de São Paulo, na avenida Paulista, sem despertar qualquer polêmica), é um trabalho fundamental para a compreensão do que somos e do que queremos ser. Negar o que estes artistas conseguiram com seus trabalhos -uma oxigenação radical de nosso imaginário- tratando-os como criminosos certamente seria regredir a épocas de triste memória.
Posso entender quem seja contra bichos em cativeiro. Seria interessante exigir um pouco de coerência dessa posição -ou seja, vegetarianismo radical, já que a quase totalidade da carne que comemos vem de animais em cativeiro, fechamento de todos os zoológicos, jóqueis-clubes, fazendas com animais para monta e, ainda, requalificação geral de nossas relações com bichos domésticos. Mas, mais do que coerentes, gostaria que fossem suficientemente democratas para aceitar que nem todos pensem como eles, nem todos se deem o lugar de xamãs, em contato íntimo com os desejos e sensações dos animais, e que dentro das regras públicas legais de cada país o acesso a esses animais possa se dar sem histeria nem calúnias.
BANDEIRA BRANCA Como nada ou quase nada se falou sobre o trabalho, peço licença para interpretar o que eu próprio fiz, partindo de uma breve descrição. "Bandeira Branca" (este título, no meio de um bombardeio desses, é dessas coisas que só a arte explica) foi montado pela primeira vez há dois anos, no CCBB de Brasília, e agora, ampliado e modificado, recebeu uma segunda versão, especialmente para a 29ª Bienal.
O trabalho consiste em três enormes esculturas de areia preta pilada, foscas e frágeis, a partir de cujo topo, feito de mármore, três caixas de som emitem, em intervalos discrepantes, as canções "Bandeira Branca" (de Max Nunes e Laércio Alves, interpretada por Arnaldo Antunes), "Boi da Cara Preta" (do folclore, por Dona Inah) e "Carcará" (de João do Vale e José Candido, por Mariana Aydar). Três urubus vivem na instalação durante toda a duração do trabalho.
O resultado é uma cena solene, entre a litania e a canção de ninar, que me parece ter cavado, em sua montagem em São Paulo, uma espécie de buraco negro no prédio da Bienal. Acho que o vão do prédio, uma das obras mais felizes de Niemeyer, com sua velocidade e otimismo, ganhou com meu trabalho um contraponto ambivalente, noturno e encantado, triste mas também próximo do mundo dos contos de fada.
Há uma espécie de espiral ascendente no trabalho, que se desmaterializa conforme o espectador sobe a rampa do prédio e as pesadas colunas de areia se transformam na geometria de quem vê as esculturas de cima. Feito primeiro de areia, depois de mármore, depois de vidro, depois de som, depois de voo, o trabalho faz em seu percurso o mesmo que as aves, num ciclo que a chuva de fezes brancas, caindo sobre as peças e sobre o chão, inicia novamente.

ANTIPENETRÁVEL Mas o ponto crucial, acho eu, é que, apesar da monumentalidade do trabalho e da textura inacabada da areia, que solicitam o corpo do espectador, o público é mantido fora da obra, numa espécie de antipenetrável. A obra de certa forma já foi ocupada, já tem dono e por isso não podemos nos aproximar. A noite, as canções e os urubus são seus donos, e ao público resta assistir de fora a alguma coisa viva, que não precisa dele.
As canções e os bichos, forças ascensionais contra a inércia e o peso das esculturas, já tomaram conta da obra e a tela de proteção, que materializa o desenho do vão do prédio, marca essa passagem entre um exterior institucional e um interior ativo, fechado em si, mistura de cultura (canções), natureza (os urubus) e arquitetura.
As aves e as canções dão ao trabalho o seu agora, uma duração voltada para algo indiferente ao mundo lá fora. Daí que muita gente tenha me dito que se sentia observado pelas aves e não observador, dentro da grade e não fora dela. E que no meio de tanto tumulto, com certeza as três aves pareciam as únicas tranquilas.
Esta atividade interna autossuficiente está no coração deste trabalho e me acompanhou ao longo da balbúrdia destes dias difíceis. Fico feliz de perceber que de certa forma o trabalho já pressupunha isso, falava disso e defendia-se exatamente disso -queria estar consigo e não conosco, longe da barulheira que no entanto causava.

AUTOSSUFICIÊNCIA Em vez da atividade do espectador, própria de tantas das melhores obras modernas, e que encontrou entre nós uma formulação extrema na ideia dos "Penetráveis" de Hélio Oiticica, a arte contemporânea parece estar se voltando para dentro, numa autossuficiência renitente. Não é o lugar para desenvolver isto, mas, para dar dois exemplos memoráveis, acho que as "Elipses", de Richard Serra, apoiadas em si mesmas e não mais nas paredes das instituições, ou "O Ciclo Creamaster", de Matthew Barney, com suas infinitas dobras e relações internas, partilham esta característica. Meu trabalho acompanha de certa forma essa direção.
A institucionalização crescente da arte trouxe para junto dela uma pletora de discursos institucionais, todos perfeitamente centrados, seguros de si e disputando espaço na mídia e nas oportunidades orçamentárias. Isso vem, talvez, do estilhaçamento das grandes noções universais que acompanharam a formação do mundo moderno: política, religião, burguesia, proletariado, luta de classes, direita, esquerda etc.
Com a quebra dessas noções universais, os particulares (ecologia, minorias étnicas, minorias sexuais etc.) firmaram-se, cheios de si, pontudos, zelosos de suas verdades. A arte talvez seja a última experiência universalizante, ou ao menos não simétrica à discursividade do mundo, e acho que tende a ser cada vez mais atacada, toda vez que discrepar, como soberba e como arbítrio. Mas penso que é isso mesmo que ela deve manter: sua soberba e seu arbítrio, para que possa continuar criando.

DESFAÇATEZ Pois isso para mim foi o mais impressionante de tudo: a absoluta incapacidade, digamos, interpretativa de quem me atacou, a recusa de ver outra coisa, de relacionar o sentimento de adesão ou de repulsa que meu trabalho tenha causado com qualquer coisa proposta por ele, em suma, a desfaçatez com que foi usado como trampolim para um discurso já pronto, anterior a ele, que via nele apenas uma possibilidade de irradiação.
Para isso, é claro, o principal ingrediente é que fosse tomado de modo absolutamente opaco e literal, espécie de cadáver sem significação. Para que possa ser veículo estrito de discursos e de grupos, sem que utilize seus recursos, digamos, naturais (sedução, desejo, ambivalência), o trabalho de arte tem de estar, de fato, desde o início definitivamente morto. Daí, creio, a ferocidade com que fui atacado -uma espécie de operação higiênica preventiva, para impedir que qualquer germe de espanto, ambiguidade, beleza, estupor, pudesse aparecer, desqualificando o desejado consenso.
No fundo, acho que a frase famosa de Frank Stella, que jogou uma pá de cal nas ilusões subjetivas de começos dos anos 60 e inaugurou as poéticas minimalistas que duram até hoje, "What you see is what you see" ("O que você está vendo é o que você está vendo"), parece ter migrado da arte para o mundo. A literalidade das obras de um Carl Andre ou de um Donald Judd transferiu-se inteira para as instituições e para o público.
Por isso talvez caiba hoje à arte a tarefa bastante simples, mas tão difícil, de dizer exatamente o contrário: "O que você está vendo NÃO é o que você está vendo". Ou seja, sonhar. Ou, como diz a letra da canção, "Bandeira branca, amor".

NÃO AO NÃO

2011-02-23T17:21:00.005-03:00

“Isto não é arte”

Pierre Bourdieu no livro “A economia das trocas simbólicas” ¹ disserta sobre o mercado de obras de arte analisando o sistema de arte, sua formação e evolução histórica concluindo, entre outros detalhes, sobre componentes deste sistema específico que tocou-nos diretamente ao lermos o que foi chamado de “Edital de Exposições 2010 do Grupo Livrarias Curitiba”.

O autor marca um período, o Sec. XIV, como início de um processo de “autonomização” do artista que teria produzido na desejada separação da tutela da Igreja e do Estado, um outro aparato de “validação” da obra de arte com determinados efeitos colaterais. Com o desenvolvimento cultural sob novos parâmetros que então passa a incluir uma burguesia que foi se afirmando, o sistema de arte, segundo afirma Bourdieu, assumiu características do pensamento e das práticas que se impunham no ocidente dados no formato em que se construía o processo civilizatório de que somos herdeiros.

Se antes a Igreja e o Estado davam conta de impor critérios de validação da arte, no novo modelo se acrescenta a burguesia e seus instrumentos ideológicos: o mercador, o crítico e a academia. P. Bourdieu afirma que, de forma descontínua esta fórmula é a base da “indústria cultural” apontada por Adorno e Horkheimer no século XX!

Foi baseado nesta ordem teórica e na prática de realizadores de arte que fizemos,

no Coletivo ARTIXX esta avaliação do “edital de Exposições 2010 do Grupo Livrarias Curitiba”.

O sistema social e econômico atualmente formatado coloca a arte e portanto, o trabalho e a vida do artista, num determinado nível que, por influências iluministas, determina para ela classificações no nível da infra-estrutura de uma lógica puramente economicista, ou seja, pragmaticamente excluindo o conteúdo subjetivo que representa a arte livre, colocada abaixo dos valores puramente pragmáticos da organização social dominante, destituída de transcendências e pobres, por isso mesmo.

É impossível convencer qualquer artista consciente de seu trabalho de uma coisa assim, oposta a historia da arte e, portanto, os artistas que são convencidos são os que não fazem a reflexão honesta de si mesmos e de seus trabalhos, o que determina o nível ético de uns e de outros.

O artista que hoje ainda aceita ver seu trabalho reduzido a uma mercadoria comum aceita limitar-se a ser acessório de negócios relacionados à acumulação de poder e de capital que são, sabemos, cada vez mais a mesma coisa.

Jürgem Habermas, em seu texto “Leituras em resistência cultural” acrescenta à nossa reflexão:

“ Embora o governo possa oferecer apoio subsidiado, a arte é, hoje em dia [...] o brinquedo de patrocinadores (de sociedades acionárias) cuja relação com a cultura é menos de uma nobre obrigação do que uma manipulação aberta como signo de poder, prestígio, publicidade. Aparentemente como Jean Baudrillard sugere, o controle da acumulação não é suficiente para essa classe, ela deve controlar a significação também” e conclui: “o capital penetrou inteiramente no signo”.

O Coletivo ARTIXX tem a dizer sobre o Edital do Grupo Livrarias Curitiba de 2010 que, ao nos questionarmos sobre este edital e o objetivo para que as Livrarias Curitiba se envolvessem neste tipo de empreendimento artístico cultural nos deparamos com algumas questões que aqui seguem.

Partimos do princípio do olhar das Livrarias Curitiba sobre a produção artística local, e questionamos se esta instituição comercial tem algum conhecimento sobre a logística necessária para promover uma exposição cultural como a que propõe. E perguntamos:

1. Qual é o objetivo maior das Livrarias Curitiba?

Ao não se responsabilizar por nada ao se promover às custas de alguns artistas sedentos por um espaço em que possam mostrar suas obras.

2. Qual é o incentivo a que se refere no edital?

A empresa não se responsabiliza pela integridade física das obras, o artista é responsável pela montagem e desmontagem e a empresa nem fornece materiais necessários para a montagem; Que tal fornecer pelo menos fita crepe, cola, tesouras que imaginamos ter de sobra?

3. O que a empresa pensa sobre o profissional das artes?

A visão que esta empresa tem sobre o artista plástico é anti-profissional e lega ao artista uma vida de trabalho sem honorários, coloca, assim, o artista como escravo, ampliando aquela visão de que arte é o supérfluo e a de que quem abre um espaço expositivo está fazendo um favor, como se estivesse dando esmolas. O artista não é tratado como um profissional sério.

4. O que a empresa oferece aos artistas?

Uma instituição que pretende abrir um espaço para artistas deveria antes se cercar de alto conhecimento técnico e principalmente de respeito aos profissionais envolvidos.

5. O que podemos concluir como artistas?

Quando levantamos estes questionamentos, nos referimos a este edital, sabendo que isto se adéqua à maioria dos editais e de outros instrumentos de incentivo à cultura que temos visto pelo país inteiro, ocupando o espaço vago das políticas culturais que o Estado não propicia por pura omissão e incompetência.

Podemos, baseados na nossa vivência de artistas e de cidadão e cidadãs consciente do trabalho que realizamos e do nosso envolvimento com a esperança no futuro, fazer da intenção deste instrumento de uso e abuso das nossas capacidades, por uma instituição que não nos compreende minimamente, redigir este protesto como a única ação possível diante de todos que não nos vêem com respeito ético.

SERIGRAFIA NO ATELIER

2011-02-21T11:13:00.002-03:00

O CAMINHO PERCORRIDO PELO ARTIXX

2011-02-21T10:14:00.012-03:00

Projeto Mão Cheia

O projeto Mão-Cheia, desenvolvido pelo ARTIXX, propõe o coletivo e não uma esfera de consumo individual, procurou desenvolver uma relação social que vai além de uma economia produtora de bens e de serviços, mas que resultasse na recuperação do calor humano e do contato interpessoal.

Seguindo esta linha de pensamento, o de não implicar, quais as qualificações do artista e que todos tem a possibilidade para o caminho da criação, nos inserimos dentro de uma empresa de aproximadamente 40 trabalhadores promovendo arte a todos, com o propósito de valorização do ser humano, do encontro, da troca de experiências por meio das oficinas. A arte atuando como meio e não um fim, neste caso o processo passa a impor mais que o resultado.

NICOLAS BOURRIAUD, considerado o pai da Estética Relacional, refere que a “arte é um estado de encontro”, valoriza o objeto como parte integrante da sua linguagem, funcionando como veículo para concretização da relação com o outro. Mais do que ensinar técnicas artísticas o Coletivo ARTIXX estimulou uma visão maior das possibilidades que as pessoas podem alcançar pela educação, reflexão e criatividade.

Os integrantes do Coletivo ARTIXX ofereceram às pessoas da empresa diferentes formas de trabalhar o processo criativo, através de inúmeras imagens fotográficas das mãos dos funcionários deram início o desenrolar de toda a construção do projeto artístico, desenvolvidas através das oficinas oferecidas: OFICINA MURAL MÃO CHEIA, OFICINA ARTE POSTAL, OFICINA DE MÃO EM MÃO, OFICINA DE FOTOGRAFIA, OFICINA OCUPAÇÃO REVISITADA NA LENTE DO ARTIXX.

Giovana Casagrande, 2011

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-12-07T21:11:00.011-02:00

Dia 04/12/2010 foi o encerramento do projeto Mão Cheia. Abaixo, foto do Coletivo ARTIXX com os alunos e as empresárias Maria Aparecida e Rosângela, da Stilus Acabamento Gráfico. Ao fundo, o Mural Mão Cheia executado pelo artista Sergio Moura que foi entregue neste dia, simbolizando este ano de trabalho no Bairro Sítio Cercado, Curitiba-PR.

O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-12-06T23:12:00.003-02:00

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-11-24T07:50:00.022-02:00

No dia 20/11/2010, o ARTIXX esteve na Stilus Acabamento Gráfico para organizar os detalhes para o encerramento do projeto que será no dia 04/12/2010.

Giovana Casagrande e Rogério Guiraud organizando

os blocos desenvolvidos pelos alunos do projeto.

Capas dos blocos elaborados pelos alunos.

Sergio Moura (no fundo à esquerda)

na preparação do Mural Mão Cheia.

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-10-11T10:00:00.018-03:00

No dia 09/10/2010 aconteceu a segunda etapa

da oficina De Mão em Mão sob a direção de

Giovana Casagrande (em pé de blusa branca).

Giovana Casagrande, Negalise e alunos.

Algumas capas confeccionadas pelos alunos

na Stilus Acabamento Gráfico.

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-08-17T09:51:00.014-03:00

A oficina do dia 14/08/2010 foi iniciada com uma mesa redonda entre o Coletivo ARTIXX e os alunos na Stilus Acabamento Gráfico. Foram destacados assuntos relevantes sobre Arte Contemporânea e o propósito deste projeto naquela empresa.

Na foto, Sergio Moura (sentado) como mediador,

Regiane Bressan (em pé) filmando e

Carla Assis captando imagens para

documentação do projeto.

Regiane Bressan ministrando

a 0ficina de Fotografia.

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-08-03T08:23:00.021-03:00

No dia 31/07/2010 foi realizada mais uma etapa da Oficina de Fotografia dirigida por Regiane Bressan

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-07-21T17:31:00.031-03:00

No dia 10/07/2010 foi realizada a oficina de Fotografia

sob a direção de Regiane Bressan nas dependências

da Stilus Acabamento Gráfico, no Sítio Cercado.

Da esquerda para a direita, em pé,

Regiane Bressan, Giovana Casagrande e Rogério Guiraud.

Sentadas na primeira fila, Priscila, Rosangela, Negalise e Cida.

Atrás das câmeras, captando imagens, Carla Assis e Sergio Moura.

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-06-07T08:10:00.077-03:00

Carla Assis ministra a oficina de Arte Postal nas dependências da Stilus Acabamento Gráfico no dia 05/06/2010.

Sergio Moura e Rogério Guiraud captam imagens

para documentação do projeto.

Aluna preenche o Cartão Postal criado

para o projeto Mão Cheia.

Alunos postam os cartões na caixa

de correio do Sítio Cercado.

Rogério Guiraud e Sergio Moura

com os alunos na Oficina Mural Mão Cheia.

Alunos interferem no mapa do bairro,

participando da Oficina Ocupação Revisitada.

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-05-11T07:59:00.035-03:00

Oficina realizada no dia 08 de maio de 2010 na Stilus Acabamento Gráfico,

como parte do projeto Mão Cheia - O Local e o Global na Lente do ARTIXX.

Giovana Casagrande (última à esquerda)

dirigindo a oficina Bloco de Anotações.

Negalise (primeira à direita) participa da oficina.

Regiane Bressan registra imagens para a documentação do projeto.

Acima, Sergio Moura e Rogério Guiraud.

Ao fundo, em processo, o mapa do Sítio Cercado da Oficina

Ocupação Revisitada sob a direção de Rogério Guiraud.

SERIGRAFIA

2010-05-06T16:37:00.050-03:00

Atelier de Sergio Moura - 05/05/2010

Rogério Guiraud, Sergio Moura e Carla Assis imprimem

em serigrafia os Blocos e Cartões Postais que fazem parte

do projeto Mão Cheia - O Local e o Global na Lente do ARTIXX.

Secagem das folhas internas dos blocos de anotações.

SERIGRAFIA – ARTE POSTAL

2010-05-03T15:45:00.032-03:00

Atelier de Sergio Moura abril/2010.

Arte Postal no projeto Mão Cheia

O Local e o Global na Lente do ARTIXX.

O TEMPO E A ALEGRIA

2010-05-03T14:11:00.052-03:00

"Brincando com o vento, asas da imaginação;

a alma vôa, de coração alegre".

No dia 1º de maio de 2010, o Coletivo ARTIXX entre pessoas,

reúne colegas, amigos e conhecidos e convida a comunidade da Colônia Faria,

para empinar pipa compartilhando o vento, o tempo e a alegria

no Parque Newton Freire Maia.

LA MIRADA

2010-05-03T13:48:00.041-03:00

O Coletivo ARTIXX reúne a comunidade para revoada de pipas.

O poeta Francisco Soares Neto publicou em forma de haicai a emoção vivida.

Primeiro de maio

Pipas surfam sobre ventos

Cordéis tensionados

ARTIXX no gramado

Dia do trabalhador

Alcançando o céu

Colcha de retalhos

Alegria coletiva

Céu azul de maio

Do Xiko com abços voadores

MÃO CHEIA - O LOCAL E O GLOBAL NA LENTE DO ARTIXX

2010-05-03T13:41:00.064-03:00

Abertura oficial do projeto Mão Cheia nas dependências da empresa Stilus Acabamento Gráfico situada no Sítio Cercado.

Em pé, da esquerda para a direita, Rogério Guiraud, Carla Assis, Sergio Moura e Giovana Casagrande. Atrás da câmera, Regiane Bressan captando imagens para a Oficina de Fotografia e para a documentação do projeto.

Oficina de Arte Postal dirigida por Carla Assis. Sergio Moura mostra aos alunos alguns procedimentos de serigrafia.

Alunos localizam pontos de interesse no mapa do Sítio Cercado que fazem parte da Oficina Ocupação Revisitada dirigida por Rogério Guiraud.

CONEXÃO PORO

2009-12-03T12:56:00.010-02:00

Saiba mais

CAMISETAS ARTIXX

2009-11-29T23:30:00.012-02:00

Serigrafia – Atelier Sergio Moura 24.11.2009

LA MIRADA

2009-11-06T18:19:00.016-02:00

A Disfunção
Manoel de Barros

Se diz que há na cabeça dos poetas um parafuso de a menos.

Sendo que o mais justo seria o de ter um parafuso trocado do que a menos.

A troca de parafusos provoca nos poetas uma certa disfunção lírica.

Nomearei abaixo 7 sintomas dessa disfunção lírica.

1 – Aceitação da inércia para dar movimento às palavras.

2 – Vocação para explorar os mistérios irracionais.

3 – Percepção de contiguidades anômalas entre verbos e substantivos.

4 – Gostar de fazer casamentos incestuosos entre palavras.

5 – Amor por seres desimportantes tanto como pelas coisas desimportantes.

6 – Mania de dar formato de canto às asperezas de uma pedra.

7 – Mania de comparecer aos próprios desencontros.

Essas disfunções líricas acabam por dar mais importância aos passarinhos do que aos senadores.

Em “Tratado Geral das Grandezas do Ínfimo”

LA MIRADA

2009-10-04T21:39:00.017-03:00

Show da Vida

Quando o Sol nasce

os galos cantam.

Quando a Lua aparece

todos se encantam.

A felicidade

está em cada nome,

pequena, média, grande

ou enorme.

Se o amor

é de verdade,

todos têm

a liberdade.

O sentimento

contagia,

fazendo assim

o Show da Vida.

Gabriel Bressan Sizenando

MOVIMENTO ACROBÁTICO
LINHA ESPACIAL DA LIBERDADE IMAGINÁRIA

A liberdade imaginária num corpo em movimento ou apenas uma pausa e o corpo em repouso.
O aproveitamento total do corpo ao flutuar numa ação aérea, possibilita a realização de movimentos, tendo como objetivo principal o movimento perfeito onde o foco é a linha imaginária finalizada.
O início deve ser perfeito para que o corpo responda ao movimento programado. A concentração é fundamental. Para que a linha do movimento seja completa, deve-se unir a força com a leveza e equilibrá-las no espaço. O corpo ganha liberdade.
A união da espacialidade com o corpo cria a sensação de liberdade, mesmo que por alguns segundos.

MOVIMENTO ACROBÁTICO = espaço + corpo (força + leveza = equilíbrio) + concentração = LINHA ESPACIAL DA LIBERDADE IMAGINÁRIA

A TURMA DA PÓS NA CASA GOHM

2009-09-08T20:59:00.009-03:00

Conhecer a História e reconhecer-se nos fatos que a construíram e que prosseguem na construção de tudo, é ter consciência da potência que representam o passado e o presente erigidos no tempo das coisas que são feitas; é compreender com erudição as bases do pensamento e é, também, ter o olhar pronto para premunir o futuro e seus bem guardados segredos.

Uma imagem no tempo e no espaço de que participamos é a síntese de milhares de detalhes que permitiram àquele momento ser registrado e guardado na foto e na nossa memória. O coletivo A R T I X X tem plena consciência daquele instante, uma data que cronologicamente não havia sido marcada antes de conhecermos cada um daqueles personagens, um instante que vinha sendo construído por pequenos e grandes momentos de que todos os que aparecem na foto participaram ou foram por eles tocados.

Os que chegaram até ali, por percursos diversos, e os que irão dali adiante por outros caminhos futuros não poderão negar jamais este fato: o Curso de Especialização em História da Arte Moderna e Contemporânea fez e fará parte importante nas nossas vidas.

Este não é um discurso de formatura do curso, mas o registro dos dados que jogamos desde que pensamos, há muitos anos, em Arte. É o reconhecimento dos muitos milhares de fatos que, fazendo parte desse mesmo jogo, contribuíram para estarmos ali, participando das construções atuais, da busca de outros infinitos dados vindouros, assim como muitos outros homens e mulheres que terão coletivamente a mesma atitude diante do espaçotempo que dividiremos. É, em especial, um reconhecimento do que deixaremos para sempre na partilha das coisas que fizemos e ainda faremos.

Enfim, compreendemos que somos parte da construção coletiva do que chamamos de História! Olhamos para a História com percepção de artistas por tudo que recebemos e doamos, não somente em 2008.

A foto da turma é, para o A R T I X X, um ponto de referência que nos situa no tempo histórico do encontro e na necessidade impulsiva de sermos artistas ao fazermos arte contemporânea. Nos gestos em que deixamos à mostra o vínculo sereno com o passado, há uma segura intenção presente de ação estética de propor a transformação da compreensão de todos no rumo indicado pela sensibilidade e beleza contidas na alegria de fazer as coisas simples. É isso que ficou expresso na foto na fisionomia dos colegas da casa Gohm.

CONVITE

O A R T I X X propõe, a partir da percepção dessa realidade, que prossigamos na caminhada rumo a um futuro em que todos possamos compreender melhor a força que proporcionam nossos encontros marcados com o fazer e o pensar a Arte. Essa caminhada, em parceria com o Outro com quem fruímos o tempo e o espaço que percorremos neste planeta, deve nos levar até onde possamos reconciliar a Arte com a razão ética da existência, num fazer artístico sempre voltado para o futuro compreendido no que a História nos proporciona, visando a vida plena como a razão de tudo.